将电影题材和内容“拿来” 戏剧别丢了绝招(4)

　　从“连环戏”到如今流行的沉浸式，都体现出在技术与艺术、商业与艺术的碰撞中，本土美学为拓宽舞台艺术边界和实现美学创新提供了经验与智慧。

　　摄像机“入侵”舞台之后

　　如今，讨论戏剧对电影的借鉴，已经不能局限在传统镜框式舞台的范畴里，新技术的叠加让二者的转化变得更加复杂。

　　近年来，舞台不单将电影的题材和内容“拿来”，还直接向电影技术与语言“取法”。2014年，英国导演凯蒂·米歇尔的《朱莉小姐》来华演出，将舞台打造成电影片场，通过严谨周密的设计，对舞台表演进行拍摄并实时生成、播放影像，创造出电影与戏剧表演的合成体。通过米歇尔的作品，中国本土戏剧创作者了解、接受了舞台引入摄像机、实时影像等方法和理念。自此开始，实时影像成为颇受中国戏剧创作者青睐的手法，如田沁鑫导演的新版《狂飙》、李建军导演的《世界旦夕之间》、上海话剧艺术中心的“悬疑三部曲”《深渊》《心迷宫》《生吞》等，均将屏幕作为重要的叙事媒介和层次，拓展舞台讲述故事的角度和空间。

　　一般来说，电影观众只能全程完全被动地跟随导演的镜头引导理解故事，电影镜头的景别角度、被拍摄人物和景观，都会潜移默化地影响观众的情感认同。而在剧场里，即使是传统的镜框式舞台，全程安静坐在座位上的剧场观众，也比电影观众更“主动”，因为他们可以自主选择看向舞台的哪个位置、哪个人物。何况如今摄像机、屏幕影像越来越频繁地出现在舞台上，沉浸式、移动式等多样的演出空间和新型观演关系层出不穷，这些都会让戏剧观众的视点交织。新技术越来越多，如何将这些技术用在向观众有效传递特定的情感与艺术效果上，而非单纯炫技，成为当下舞台语言创新的关键。

　　先进的技术固然能够营造出让观众信服的真实场景，进一步强化被动的沉浸感，但来到剧场的观众更希望看到演员如何当众完成“从无到有”的过程。观众能够随之调动视线捕捉细节，用想象填补场景的空白，从而实现对整个故事的建构。这样的观演体验，才是戏剧保持独特魅力的根基所在。

　　可以预见的是，数字技术的发展必将推动电影在创造真实、营造奇观方面加速演进。将电影改编成戏剧，单纯追求热点IP或者探索如何复制真实，显然都非解题之道。面对求新求变且已见识过大量数字艺术的观众，戏剧若想保持不可替代性、找到创新发展的动力，就需要更辩证地审视电影与戏剧的关系，挖掘本土美学，总结百年前中国戏剧人、电影人的实践经验，于数字技术时代实现舞台艺术的主动出击，让戏剧艺术焕发新的活力。

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