舞台剧+电影院是否正在催生新媒介艺术

在信息技术高度发展的今天，高清舞台艺术影像能够帮助舞台剧突破空间地域的局限，把经典的舞台剧作品带到世界的各个角落，让更多观众有条件享受舞台剧的魅力。

高清舞台艺术影像，是把话剧、戏曲等舞台艺术作品经过摄影机拍摄、后期处理之后，在大银幕上进行播放的一种媒介艺术形式。今年颇具话题度的《初步举证》就是典型的高清话剧影像。对于大多数人而言，这种艺术形式尚属新鲜，但事实上它在海外已发展数十年，进入中国也已有十年，显现出独特的艺术魅力，值得一番剖析。

用镜头记录舞台艺术有着悠久的传统，早在1905年，中国第一部电影《定军山》就是一部京剧纪录片。但是，当电影艺术走向成熟，尤其当商业电影成为大众电影的主流后，舞台剧影像就逐渐淡出了人们的日常观影范畴。在很长一段时间里，它们主要起到记录、保存、宣传经典舞台艺术的作用。

近年来，欧洲逐渐利用当代影视技术拍摄舞台剧，并以商业电影的方式播出，逐渐发展为如今的高清舞台艺术影像。从舞台剧到舞台影像，这一媒介转换带来的最直观的结果便是可复制与可传播，作品有了更广的传播范围、更多的受众，而观众可以用相对实惠的价格，观看高清晰度、高水准的舞台演出。

由此而来的值得进一步探讨的问题是，高清影像在艺术性方面有着怎样的特点？它与舞台剧和电影有着怎样的关系？它能够被看作一种新媒介的艺术吗？

首先，高清舞台艺术影像并非简单地用摄影机“记录”舞台，它还能够通过镜头语言，适当地强调或弱化舞台上的内容——这些镜头语言包括景别的变化、多视角拍摄与剪辑的运用。

景别的变化十分直观，影像不光近距离记录了演员的表演，还通过大银幕将画面成倍放大，观众可以更清晰地看到舞台上的细节。

同时，影像还能够通过特写镜头，放大演员的情绪表达，从而强化表演带来的冲击力。当然，记录舞台的摄影机并非一成不变，拍摄组往往会用几个或十几个摄影机，从不同角度拍摄舞台，这进而为剪辑提供了基础。所有的镜头语言最终都聚焦于一个目的——精准地传达舞台剧的每一个艺术意图。

我们能够看到，在《初步举证》中，当女主角在法庭上回顾被男同事强暴的经过时，景别在全景、中景和特写间无序切换，时而展现女主角在舞台上茕茕孑立的无助，时而又特写她失去血色的面孔和颤抖的肢体；镜头也在多个视角之间快速剪辑拼接，跟随女主角局促、激动的动作，令观众也感到眩晕、烦躁。

更进一步说，舞台剧与影视的结合，不仅能够强调或减弱舞台效果，还能够制造新的艺术语言。

一般情况下，舞台剧的观众都在舞台的前方或斜上方，摄影机的拍摄视角也基本在这一范围内，这还原了观众观剧的一种理想视角。但是，在不少舞台剧影像中，摄像机可能对准观众，他们入场、观剧时候的情态也会成为影像的一部分。在呈现角色间的对话时，传统观众往往只能在旁观者视角上观看对话，但摄影机镜头却能交替拍摄对话中的演员，从而呈现角色在对方眼中的模样，这种切镜方法在影视剧中很常见，但对于舞台剧而言却是头一次。

除却寻常的观赏视角外，影像还可以呈现某些不可能的视角，例如俯拍舞台——在一部讲述城市规划师的话剧影像《直线偏执狂》中，垂直于舞台的镜头呈现了一张铺展在舞台上的纽约市地图，它帮助观众直观地看到主角是如何改造城市的；而此后，剧中角色踩在地图的“市中心”与“郊区”的表演，就有了权力中心与权力边缘的隐喻。

即便只是寻常的拍摄技法的运用，也可能让观众的观剧体验发生剧变。在俄罗斯经典音乐剧《安娜·卡列尼娜》中，舞台背后设置了一块巨大的显示屏，显示屏上播放着提前制作好的多媒体视频。对于现场观众而言，屏幕上的视频只起到背景和环境渲染的作用，因为全景视野能让他们始终意识到这是一场舞台剧，但高清影像的镜头却可以缩小景别，把舞台排除在外，只拍摄演员和屏幕，让观众产生一种看影视剧的错觉。

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